Sto cercando parole su questo film, finito di vedere circa 2 ore fa. Non che io abbia impiegato questo tempo per riflettere, oltremodo inutile. No. Le prime parole che mi vengono in mente sono: manca di ironia (Filmtv è generoso nel dare un pallino all’humour). Le altre parole, alle quali sono giunto a metà del film, quando si svelano tutti gli altarini, sono: sembra di stare in una partita di Cluedo, ma senza poter ridere. Tutto sembra preso troppo sul serio, e tutto sembra inverosimilmente girare alla perfezione: il personaggio di Richard Burton sembra sapere già cosa succederà nei minuti successivi, quasi avesse viaggiato nel futuro, e sembra che ci sia sempre uno zaino bianco a togliere i protagonisti dagli impicci. E nessuno ride, figurati se lo fa Clint Eastwood con o senza cappello, con o senza sigaro…

E’ dovere di ogni appassionato di cinema aver letto almeno qualche libro dei film che preferisce. Soprattutto se si sa che i libri sono sempre meglio, o perlomeno diversi da ciò che si è visto. Capitano film-sceneggiatura, e capitano solo riduzioni cinematografiche, oppure vedi le vicende da altri punti di vista, con altri scenari, altri personaggi. Capita con questo libro: il protagonista è l’indiano, quello “sordo-muto”, quello impassibile, che si ricorda soprattutto per la statura; il racconto su McMurphy, e il suo ingresso nell’ospedale psichiatrico, lo si vede con i suoi occhi, dall’inizio alla fine, al momento della fuga (non ho paura di rivelarvi il finale perché dovrebbero averlo visto tutti ormai). Nella parte centrale del film c’è altro: Bromden ha delle allucinazioni, ma l’influenza maggiore nei suoi problemi sembra averla l’istituzione, frutto della Cricca, come la chiama lui, tutto ciò che sta all’esterno e che tenta di controllare i pazienti.

Naturalmente ci sono altri personaggi, ma sembrano tutti sbiaditi rispetto al ribelle McMurphy e all’enorme indiano. Il finale è più o meno lo stesso del film, si rispettano le vicende principali, ma rimane qualcosa in più del prodotto cinematografico.

Qualche film fa dicevo che non potrei sopportare dei film con protagonisti dei nazisti, o dei soldati tedeschi buoni. Ma ci sono ricascato, e con tanta curiosità. Il film in questione era candidato all’Oscar in sei categorie, quindi faceva parte del Torneo che ho ideato; inoltre dura oltre tre ore, e di solito questo è segno di qualità. Poi avevo la sensazione, leggendo i palinsesti di Studio Universal, di poter registrare un buon film, che in tutti questi anni mi era sfuggito. Imposto il timer quindi, e mi ritrovo, pochi giorni dopo, caso stranissimo ormai, a vederlo.

I nazisti qui sono fuori dai giochi, c’è qualcosa in più di una velata critica al regime prima di imbarcarsi. Qui si parla di sopravvivenza, la guerra  era un solo un hobby per quelli che nei sottomarini hanno avuto la sfortuna di morire a migliaia; solo un quarto di coloro che erano in profondità sono sopravvissuti alle caccia-torpediniere (spero non si sia fatto un film dalla parte dei vincenti per queste navi da combattimento), e l’ingaggio non era assolutamente dei migliori. La vita nei primi sottomarini non era facile, viene ritratta nei primi minuti, con gli occhi del guardiamarina: spazi angusti, igiene assente, malattie contagiose, alimentazione squilibrata, e pazzia dietro l’angolo. Si combatte, certo, e si affondano navi, ma il resto del tempo lo si passa a riparare il sottomarino, e/o in silenzio (ah quanto silenzio in questo film), cercando di non farsi scoprire forse dai primi radar. Non siamo dalle parti di Caccia a ottobre rosso, ma neanche di un qualsiasi film di guerra, di quelli dalla parte dei vincenti; questa produzione tedesca, sottolineo tedesca, è un unicum nel panorama dei film bellici, e non solo per il pacifismo implicito.

Quante lacune, quanti film ancora da vedere…

Finito di vedere il secondo film del dittico ho voluto colmare la mia lacuna sull’isola sacra per il Giappone almeno fino alla 2a guerra mondiale. Le storie sono ambientate quindi a sud dell’impero nipponico, a metà strada con le Filippine. Lì è iniziata una battaglia sanguinosa per dare un colpo morale al Giappone. Clint Eastwood, con Steven Spielberg, anche lui interessato alle vicende, ha deciso però di non guardarla da un solo punto di vista ma di prendere in esame anche ciò che hanno fatto i giapponesi; si è trovato tanto materiale filmato, mi pare, da farne due film, il primo con gli occhi dei vincitori, l’altro con quelli degli sconfitti. Solo che il regista, oltre alla conquista dell’isola, prende in esame ciò che è accaduto dopo la famosissima foto dell’innalzamento della bandiera su Iwo Jima, per Flags of our fathers. La vicenda era nelle sue corde, quindi segue tre soldati rispediti in patria per raccogliere soldi per un paese in bancarotta, in cui i cittadini non credevano alla guerra. Non è tutto come sembra, e basterebbe la faccia di Ira, l’indiano, per capire da che parte stare: lo sforzo bellico era necessario, ma i mezzi per raggiungere la vittoria a volte non erano tanto limpidi, ma quasi truffaldini. A volte servono degli eroi, certo, ma le storie vengono montate ad arte per altri scopi…

Lettere da Iwo Jima invece ritrae l’altra parte. I giapponesi non erano solo più devoti alla patria, che amavano fino a procurarsi la morte invece di farsi prigionieri; avevano anche dei dubbi, nati magari dall’aver conosciuto il mondo occidentale. Noi tutti ricordiamo i kamikaze, ma c’erano anche altre persone, forse più ragionevoli, che evitavano la dottrina imperiale del suicidio per la normale voglia di vivere, di continuare, di vedere come va a finire, se non bastava la famiglia lasciata a casa. I giapponesi, come gli americani, non avevano dei vigliacchi tra di loro, era solo l’assurdità della guerra a trascinarli nel buio o tra i riflettori, senza cibo e acqua oppure con del gelato ricoperto di salsa di fragola, con dei commilitoni che impartivano ordini assurdi o cercavano di non pensare alla guerra.

Potete parlarmi dello sbarco del primo film, forse migliore di Salvate il soldato Ryan, ma io continuo a pensare all’assurdità della guerra.

E sono arrivato al genere di guerra. Ma ho subito interrotto la visione di questo film. Perché? Vedere come protagonisti dei tedeschi che vogliono rapire Churchill non mi da nessun piacere, specie se sono interpretati da Michael Caine, Robert Duvall e Donald Sutherland.

Difficile affrontare un personaggio del genere. Ci aveva provato, o almeno pensato, anche Kubrick, ma forse meritava più di un film. Ecco quindi che lo si prende alla leggera, come nel film da me visto in precedenza, oppure come “motore” per altre vicende. E’ il caso di questo film, in cui un proto-anarchico, o meglio, uno degli ultimi giacobini, tenta l’assassinio del re dell’Elba. Siamo quindi all’altro esilio, forse l’unico modo per descrivere il personaggio, da fermo, altrimenti ci vogliono i mezzi. Paolo Virzì era uno dei pochi che poteva descrivere la rimanenza di Napoleone nell’isola, tanto vicina alla sua amata Toscana, e sceglie Elio Germano (bravo) come protagonista: per le sue idee si trova prima allontanato da famiglia e dal lavoro, ma proprio per esso, in uno dei soliti giri del destino, si trova a fare  l’assistente all’ex-imperatore. L’idea dell’attentato è forte, ma mano a mano che impara a conoscere l’ingombrante cittadino si convince che forse è meglio evitare; lui ha i suoi difetti, certo, e alla fine dimostra tutta la sua tirannia con il maestro morale del protagonista, un libertario, con la scena più drammatica del film; sappiamo più o meno come va a finire, e l’happy ending, assicurato per gli altri protagonisti del film, è menomato.

Ci vorrà sempre coraggio per affrontare Napoleone, anche come produttore o regista.

Sorprendente. Un film piccolo, ma con idee. L’imperatore del titolo è Napoleone, quello dell’esilio a Sant’Elena, che trova un sosia e dopo aver tentato di resuscitare come regnante si fa una vita normale, da cittadino. I suoi propositi sono sempre gli stessi, ma dopo aver dedicato la sua testa di militare al commercio di meloni si trova al cospetto di uno dei risultati della sua fama per quel che riguarda la psichiatria; dopo che il suo sosia muore come si sa ufficialmente il 5/5/1821 non trova nessuno che crede alla sua identità, e viene rinchiuso in un manicomio dove è di gran moda la “sindrome da Napoleone” come la chiamo io, la mania di grandezza che anni fa veniva associata perlopiù al personaggio in questione.

Nella parte del sosia e dell’originale c’è Ian Holm, bello da vedersi nel diventare piano piano l’uno o l’altro.

Nel momento esatto in cui mi ero accorto che La7 mandava questo film ho messo in rec il dvd-recorder, per completare la storia di Elisabetta (e de I Tudors). C’è di che avere delusioni, ma anche qualche informazione in più sulla regina dai capelli rossi. Sembra, senza andare su Wikipedia (lo farò tra qualche secondo) che lei non si sia voluta sposare per un amore fallito…Qui si parla di cosa dovrebbe esserle accaduto prima dell’ascesa al trono, quando ancora regnava Enrico VIII, poi Edoardo VI, e sembra che ci sià abbastanza fedeltà alla storia, dalla morte del re alla governante, tutto sembra abbastanza preciso. Ciò che mancava al film di Kapur, anche se il tono da commedia de La regina vergine può far rinunciare alla visione, fin dai primi minuti. Diciamo che uno completa l’altro…

In questo film mi sono accorto c’è anche la recentemente scomparsa Jean Simmons.

Pensi di distrarti per bene, con qualche informazione in più sul periodo d’oro, quasi fosse un film educativo. Poi ti scopri a leggere Wikipedia e a trovare altre inesattezze, come nel precedente film. Se Kapur avesse usato solo la storia vera non avrebbe fatto un film del genere, anche se tutto il resto funziona (eccetto Clive Owen, il solito guascone che non riesci a prendere mai sul serio).